Mayra Rojas sex naked photos


Mayra Rojas

Mayra Rojas

Mayra Rojas
Departamento de Artes escénicas
Danza, Historia y teoría teatral, Teatro y Música

Cuando abordamos la creación de un texto dramático nos encontramos un primer escollo muchas veces insalvable: eso que llamamos el tema. La búsqueda mediante la imaginación es mucho más concreta que la imposición de un tema. En este taller vamos a explorar la imaginación del creador como generadora de situaciones y textos dramáticos en última instancia. De una manera activa, mediante el trabajo conjunto de directores, dramaturgos y actores indagaremos en el imaginario de cada uno. Ese será nuestro punto de partida para encontrar una historia genuina que contar.
Cómo inscribirse:
Vía mail a  , especificando en el asunto “Taller Padilla”, adjuntando breve biografía. Es necesaria formación o experiencia previa en artes escénicas.

Jose Padilla es licenciado en Arte Dramático por la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD). Ganó el Premio Ojo Crítico de Teatro de Radio Nacional de España 2013 y el Premio Réplica a mejor autoría canaria por su obra “Porno Casero”. Tradujo y adaptó “Reventado” de Sarah Kane o “Have I none [Otro no tengo]” de Edward Bond. Entre sus títulos originales encontramos “En el cielo de mi boca” o “Cuando llueve vodka”. En la primera edición del certamen Almagro Off presentó su dramaturgia “Malcontent” que obtiene una mención especial del jurado. En 2012 estrenó una versión de “Enrique VIII” de William Shakespeare en el Globe Theatre de Londres. Su adaptación de “La importancia de llamarse Ernesto” de Oscar Wilde, llevada a cabo junto a Alfredo Sanzol, fue nominada a Mejor Espectáculo Revelación en los Premios Max. En abril de 2013 co-dirigió su obra “Sagrado Corazón 45” para La Casa de la Portera (Madrid). Escribió y dirigió “Los cuatro de Düsseldorf [#DÜSSEL4]” estrenada en el Sol de York (Madrid) y “Haz clic aquí” para el Centro Dramático Nacional con estreno en La Sala de La Princesa del Teatro María Guerrero en diciembre de 2013 y posterior reposición en octubre de 2014. Esta pieza, además, forma parte del repertorio de obras del Teatro del Arte de Moscú. Recientemente estrenó su adaptación de “La isla púrpura” de Mijáil Bulgákov. Actualmente prepara una adaptación de “Trabajos de amor perdidos” de Shakespeare para la Fundación Siglo de Oro y el Globe Theatre de Londres.

Cuando abordamos la creación de un texto dramático nos encontramos un primer escollo muchas veces insalvable: eso que llamamos el tema. La búsqueda mediante la imaginación es mucho más concreta que la imposición de un tema. En este taller vamos a explorar la imaginación del creador como generadora de situaciones y textos dramáticos en última instancia. De una manera activa, mediante el trabajo conjunto de directores, dramaturgos y actores indagaremos en el imaginario de cada uno. Ese será nuestro punto de partida para encontrar una historia genuina que contar.
Cómo inscribirse:
Vía mail a  , especificando en el asunto “Taller Padilla”, adjuntando breve biografía. Es necesaria formación o experiencia previa en artes escénicas.

Jose Padilla es licenciado en Arte Dramático por la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD). Ganó el Premio Ojo Crítico de Teatro de Radio Nacional de España 2013 y el Premio Réplica a mejor autoría canaria por su obra “Porno Casero”. Tradujo y adaptó “Reventado” de Sarah Kane o “Have I none [Otro no tengo]” de Edward Bond. Entre sus títulos originales encontramos “En el cielo de mi boca” o “Cuando llueve vodka”. En la primera edición del certamen Almagro Off presentó su dramaturgia “Malcontent” que obtiene una mención especial del jurado. En 2012 estrenó una versión de “Enrique VIII” de William Shakespeare en el Globe Theatre de Londres. Su adaptación de “La importancia de llamarse Ernesto” de Oscar Wilde, llevada a cabo junto a Alfredo Sanzol, fue nominada a Mejor Espectáculo Revelación en los Premios Max. En abril de 2013 co-dirigió su obra “Sagrado Corazón 45” para La Casa de la Portera (Madrid). Escribió y dirigió “Los cuatro de Düsseldorf [#DÜSSEL4]” estrenada en el Sol de York (Madrid) y “Haz clic aquí” para el Centro Dramático Nacional con estreno en La Sala de La Princesa del Teatro María Guerrero en diciembre de 2013 y posterior reposición en octubre de 2014. Esta pieza, además, forma parte del repertorio de obras del Teatro del Arte de Moscú. Recientemente estrenó su adaptación de “La isla púrpura” de Mijáil Bulgákov. Actualmente prepara una adaptación de “Trabajos de amor perdidos” de Shakespeare para la Fundación Siglo de Oro y el Globe Theatre de Londres.

Ficha técnica
Intérpretes:
Caro Massara, Liana Ruiz, Claudia Cambri, Tatiana Bessarez, Camila Palma, Celeste Poceiro, Ana Laura Vital, Antonia Rojas, Stefania Ribisich, Romina Fariña, Rodolfo Colombo, Leonardo Alcarraz Lores, Luciana Tomie, Tuty Constantino, Liliana Mariñas, Ayelén Pérez de Seta, Luly Trasmonte, Pablo Montaña, Joche Caprara, Micaela Díaz Barquinero, Alicia Staif, Ariel Cortina, Juan Ignacio Picos, Gastón Pérez, María Luz Pujol, Gisela Sanguineti, Lucrecia Cermelo, Emilia Martin, Diego Crevacuore, Romina Pereira, Daniel Sanz, Evangelina Moliné. Idea y Dirección: Ricky Pashkus. Directores invitados: Emiliano Dionisi, Alejandro Ibarra, Pedro Velázquez. Música: Leandro Becker. Coreografía: Marina Svartzman. Diseño de Luces: Martín Patlis del CCRRRojas. Asistente Coreografía: Lucila Tolis.

Ricky Pashkus es coreógrafo y director. Hace 30 años creó junto a Julio Chávez un proyecto educativo de formación teatral y de danza, especialmente enfocado al teatro musical. Junto a Pablo Gorlero gestó los “Premios Hugo” y los eventos “Primeras damas”, “Señores y señores” y “La Selección”. Trabajó junto a Hugo Midón, Tato Bores, Enrique Pinti, Eleonora Cassano y Lino Patalano, entre otros. Es Director Emérito de la Fundación Julio Bocca. Actualmente tiene en cartel la obra "Yiya, el musical", y próximamente estrena “Ondulantes” y “Hombre viajando en Taxi".

Marina Svartzman es docente, actriz, bailarina y coreógrafa. Egresada de la Escuela Nacional de Danzas y de la escuela de teatro “ETBA. En teatro, realizó entrenamiento actoral con el Augusto Fernández y clown con Raquel Sokolowicz. En tango se formó con Gustavo Naveira, Mingo y Esther. Asimismo, tiene formación en danza clásica, contemporánea, danza-jazz y composición coreográfica. Realizó el taller de Puesta en escena con Rubén Szuchmacher y el de Composición coreográfica con Oscar Araiz.

Leandro Becker es pianista (IUNA), compositor y director. Estudió composición con Edgar Ferrer y jazz con Manuel Fraga. Desde 2011 trabaja en teatro musical, participa en la Orquesta Argentina de Teatro Musical; y como pianista, compositor y director en distintas obras.

Analphabet Orquestra, es un proyecto de investigación individual y grupal que mutó a lo largo del tiempo. Inicialmente, consistía en una práctica musical sin acogerse a un lenguaje establecido. Posteriormente, se incorporó contenido teórico de la mano de la artista Larraitz Torres. A partir de 2015, con el apoyo del Centro Internacional de Cultura Contemporánea Tabakalera, se añadió un programa de charlas. Esto posibilitó el desplazamiento de disciplinas, prácticas y de géneros. Básicamente, la intención era abordar prácticas que se encuentran “entre” procesos artísticos, performativos, musicales y de edición impresa.

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Larraitz Torres es artista y parte de materiales de la cultura pop para resignificar y posibilitar otros entendimientos. Comenzó su trayectoria con la performance “Plastificción” (producida por Mugatxoan, 2003). Desde entonces, trabajó en “Permanent Vacation Versión” (Artium, España), “Inicio-Nowness” (La Casa Encendida), “The landscape The song The make up” (Marfa, EEUU), “Sec.Int.Night” (DAI/Casco, Holanda) y con Sandra Cuesta en el grupo Colombina's.

Valentín Chocobar nació en Cafayate, Salta. En los ’80 se radicó en Buenos Aires y estudió en el Conservatorio Municipal “Manuel de Falla”. Paralelamente exploraba el repertorio ancestral de las bagualas. Ahondó en diferentes estilos y variados toques de caja. Participó, junto a Luisa Calcumil y las Hermanas Cari, en el Primer Encuentro Pluricultural de América realizado en México, y junto a Silvia Barrios y Ricardo Vilca, en el Encuentro mundial de Culturas del Desierto realizado en Argelia. Fue invitado especial del espectáculo “América en Cueros”, presentado por Leda Valladares en la Sala Martín Coronado del Teatro General San Martín. Durante casi diez años fue parte del Elenco Estable de “El patio de Vitillo Ábalos”. Recientemente participó en el Homenaje a Rolando “Chivo” Valladares en el Centro Cultural Kirchner bajo la dirección y arreglos de Leopoldo Deza, donde compartió escenario con Juan Falú y Verónica Condomí, entre otros.

Viajera, de Gustavo Lesgart
Jueves de julio a las 21.30 hs
Sala Cancha
Entrada: 0
Hacé click para comprar tus entradas online o adquirilas el día de la función dos horas antes en Boletería

Viajera es un solo en la frontera entre lo que está construido y lo que se despoja y se revela; el cruce entre un relato ficticio y una dramaturgia de lo real.
El espacio es un paisaje imaginario habitado por un ser de fantasía, y a través de la interacción entre ambos todo se transforma: el espacio se desnuda, el personaje se desvanece y aparece la persona.
Viajera vincula una danza de representación y otra que se crea en tiempo real.

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Ficha técnica
Intérprete: Fabiana Aguilar. Coreografía: Gustavo Lesgart. Música: autores varios. Diseño de vestuario y utilería: Gustavo Lesgart y Fabiana Aguilar. Realización de vestuario: Ana Paula Tessi. Diseño de iluminación: Paula Fraga. Maqueta: Paula Pastó.

Fabiana Aguilar es docente, bailarina y coreógrafa. Se formó en el Instituto Superior de Danzas Isabel Taboga y luego, de manera independiente, con los maestros Carlos Casella, Gustavo Lesgart, Margarita Fernandez, Laura Roata, David Farías, David Zambrano, Cecilia Colacrai, Eugenia Estevez, Bambi Anderson, Donna Uchizono, Kirstie Simson. Como bailarina y coreógrafa participó en el Festival El Cruce (Rosario, Argentina), Festival Nuevas Tendencias (en sus cuatro ediciones), Festival de Montpellier y Festival de Danza de La Plata. Dirige el grupo autogestivo El Acople, en el que se desempeña como intérprete y coreógrafa.

Gustavo Lesgart es coreógrafo, bailarín y maestro de danza contemporánea. Cursó estudios de Arquitectura en UNR. Su trabajo coreográfico se presentó en festivales de América y Europa. Realizó coreografías para compañías oficiales y privadas de Danza Contemporánea en Argentina, España, Finlandia, Noruega y USA. Dirigió la compañía Lesgart-Sanguinetti, y colaboró con Núcleodanza, El Descueve y De la Guarda. Recibió Premio Clarín como Mejor Bailarín y Diploma al Mérito a la Trayectoria de la Fundación Konex Argentina. Botuvo becas y subsidios de Fundación Antorchas, Prodanza y European Cultural Commission para estudios de postgrado en técnicas de Nueva Danza en P.A.R.T.S./Bélgica. Desde 2015 dirige el proyecto Tutorías de Creación en el Instituto Universitario Patagónico de las Artes (IUPA), un espacio de formación, exploración y creación para artistas jóvenes interesados en las artes escénicas.

Look at you, con dirección de Felipe Rivera
Viernes de julio y agosto a las 20 hs
Sala Batato Barea
Entrada 0
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La obra narra el reencuentro de una travesti y un hombre de clase media alta, años después de haber sido compañeros de lucha durante la dictadura. El diálogo devela la verdadera identidad de los protagonistas y la insatisfacción con su vida actual.

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Ficha técnica
Elenco: Emiliano Figueredo y Esteban Pecoche. Asistente de dirección: Julio Bustamante. Video Instalación: Alejandro Chen. Coreografía: Aymara Abramovich. Vestuario: Federico Castellón. Compañía: La Frenética María Lolita. Dirección y Puesta en escena: Felipe Rivera

Felipe Rivera Valencia nació Valparaíso en 1983. Es licenciado en Artes con mención en actuación teatral, titulado de la Universidad Finis Terrae de Santiago de Chile el año 2006. Se especializó en montaje y puesta en escena. Trabajó como director y dramaturgo en las ciudades de Santiago, Buenos Aires, La Serena y Coquimbo con más de diez obras estrenadas. Entre sus obras destacan: “Light, una tragedia moderna”, “Hoy es Otoño” y su trilogía  “Experimento: I`m not in love with you”.

La Frenética María Lolita surgió en en 2007 como un colectivo de artistas chilenos interesados en una visión moderna del teatro. Su primer trabajo se llamó "De noches enteras", un espectáculo performático musical.  En 2009 la compañía se transformó en una fusión chileno-argentina, lo que lleva a sus integrantes a un viaje constante entre ambos países. Esto originó una gran producción de obras entre los que destacan "Crónicas", "Light una tragedia moderna", "Polaroids", "Crave", "Hoy es otoño" y su trilogía "Experimento: I´m not in love with you".

Insisto una sola vez, de Virginia Leanza
Sábados de julio a las 22 hs
Sala Biblioteca
Entrada 0
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Insisto, una conspiración.

Una compañía de danza hace gala de la dificultad en una biblioteca sin libros. Y ante la duda, el baile frenético. Así, logran algo parecido a un ballet obstinado, capaz de cavar en pozos de movimiento que no llegan a nada más que el absurdo.

Esta comedia coreográfica intenta compartir  un tipo específico de insistencia: la de la danza como un trabajo y la del aire irrespirable de este Buenos Aires 2018.
La verdadera insistencia es la de seguir juntos, casi sin nada más que compartir una perplejidad.
La pieza se estrenó aquí en 2017, dentro del ciclo DANS.

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Ficha técnica
Bailarines: Ana Gurbanov, Marcos Krivocapich, Joan Leanza, Francisco Benvenuti, Stefano Sanguinetti y Jaizaran Abbas. Asistencia creativa: Catalina Ducos. Diseño de luces: Leandro Orellano. Dirección: Virginia Leanza.

Virginia Leanza es bailarina, actriz y coreógrafa. Es licenciada en Composición Coreográfica en Danza Teatro por la UNA. Trabajó junto a Gustavo Tarrío en "El hijo de Amateur", "Lo que yo tuve", "Todo piola", "Lengua la traba", "El vestido de Mamá", "La Guiada" y "Protocolar". Realizó el asesoramiento coreográfico y diseño de movimiento en "La señorita Julia" de August Strindberg y en "Barranca abajo" de Florencio Sánchez, con la dirección de Cristina Banegas. Actualmente dirige junto a Ana Gurbanov la obra "Farra". Participó como coreógrafa en la obra "En lo alto para siempre" de Camila Fabbri y Eugenia Pérez Tomás que estrenó en mayo pasado en el Teatro Cervantes.

Acróstico, de Diego Rosental
Viernes de julio a las 22.30 hs
Sala Cancha
Entrada: 0
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La pieza forma parte del Ciclo Óperas Primas 2017, curado por Maruja Bustamante, y estrenó en marzo de 2018.

Un acróstico es un artificio literario, una forma de jugar con las palabras para hacer que el tiempo pase como si pesara menos. Acróstico es la obra que Diego Rosental se inventa cuando despliega el papel con las letras de su nombre que, desde 1984, guarda en el cajón de su mesa de luz. El manuscrito de aquella composición poética es el aliento que lo anima a crear un nuevo artificio, capaz de recortar el tiempo y componer con sus restos una figura que desteje los hilos del recuerdo.

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Ficha técnica
Intérpretes:
Jimena Pérez Salerno y Diego Rosental. Dirección de arte: Eugenia Foguel. Asistencia general: Sofía Etcheverrry. Diseño de luces: Sebastián Francia. Música: Daniel Bugallo. Dramaturgista: Aldana Cal. Diseño gráfico: Leandro Ibarra. Asistencia de dirección y colaboración creativa: Andrés Molina, Roberta Blazquez Caló. Idea y Dirección General: Diego Rosental.

Diego Rosental se formó como actor, bailarín, músico y acróbata. Trabajó con directores y coreógrafos como Ciro Zorzoli (Estado de Ira, Símil Piel), Ana Frenkel (Pura Cepa, Hacia el Fin), Celia Arguello Rena (Villa Arguello), Diego Velázquez y Eugenia Estévez (Hemos abandonado nuestra carrera de campeones), Andrés Molina (Categoría Mosquitos), Mayra Bonard (Grandes Amigos), Frenkel, Casella, Cúparo (Corazón Idiota), Maruja Bustamante (América Latina), Analía Fedra García (Mucha Felicidades). Integró la compañía De la Guarda en su espectáculo “Villa Villa”.

Sobre Óperas Primas 2017

El ciclo de Operas Primas dio muchas sorpresas y “descubrió” realizadores y piezas iridiscentes, inquietantes, divertidas, explosivas e íntimas. Muchos de los que pasaron por esta experiencia hoy siguen su camino como hacedores del teatro y se destacan con sus piezas.

El Rojas resalta, hace años, por ser el lugar donde está la oportunidad de empezar, de probar, de fallar y de profundizar. Óperas Primas es un espacio para arrancar y animarse y es por eso que es indispensable que se sostenga su programación año a año incentivando la aparición de nuevos nombres dentro de las artes escénicas.

Maruja Bustamante
Asesora de Artes Escénicas

Reestreno
Redirigida, de Iván Haidar y Soledad Pérez Tranmar
Sábados de julio a las 21 hs
Sala Cancha
Entrada 0
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"Tus pensamientos se amplifican sobre tus acciones. Volvés a pasar por acá, a través de todos los tiempos, para que el pasado se haga eco en el presente. Sos consecuencia de quien fuiste. Seguís siendo aquella. Cada vez".

Soledad Pérez Tranmar se graba en vivo para poder hablar de Soledad Pérez Tranmar. La reproducción de sus acciones inmediatamente después de haberlas realizado son un espejo que devuelve en cada acontecimiento un reflejo sobre el presente. Las auto-apreciaciones/indicaciones reproducidas generan pensamientos anticipados sobre un futuro imprevisto. Todos los tiempos mezclados. Ella se ve envuelta en un sistema que la auto-define, la auto-gestiona y la redirige a una nueva temporalidad cíclica, una experiencia personal que expone una nueva relación del sí misma, de un ahora multiplicado por pasados emergentes que vuelven para la invención de una obra fragmentada. Su pasado la cuestiona y su presente la actualiza. Ella se está conociendo en ese momento.

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Ficha técnica
Dirección: Iván Haidar. Redirección: Soledad Pérez Tranmar. Producción en gestión: Jimena García Blaya.

Esta obra fue estrenada en el C.C.R.R.Rojas en el marco del Rojas Danza 2017
Participa del Festival Arqueología del Futuro IV

Soledad Pérez Tranmar es bailarina, coreógrafa y docente. Se formó en Argentina y viajó a Alemania, donde obtuvo el título Master en Stage Dance, de la Universidad de las Artes, Folkwang Hochschule. Creó y coordina el área de danza de la Casa Nacional del Bicentenario.

Iván Haidar investiga en torno a la producción de dispositivos teatrales, la creación de lenguajes y experiencias del cuerpo en la performance. Actualmente trabaja con Luis Garay y la Compañía Re.Al., dirigida por Joao Fiadeiro en Lisboa

Orquesta UBA - Orquesta Tablets
1918 - Re / Formas - 2018
Miércoles 18 de julio a las 19 hs
Sala Batato Barea
Entrada gratuita

Con la fuerza de la libertad creativa presente en la universidad pública, dos formaciones de música del Centro Cultural Rector Ricardo Rojas, la Orquesta de la UBA, y la Orquesta de Tablets, se alían en una interacción musical de experimentación para celebrar el Centenario de la Reforma Universitaria.
Más info acá


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